L’Âge d’Or de la peinture flamande

La peinture flamande se distingue par 3 principales caractéristiques : un symbolisme profond, une incroyable maîtrise de la peinture à l’huile, ce qui a d’ailleurs facilité un réalisme minutieux.

Les peintres de ce courant s’appliquaient à reproduire le monde qui les entourait avec une méticulosité extrême. Cette précision se retrouve dans chaque élément, que cela soit un simple objet en apparence, une attitude sur un portrait ou encore la texture d’un tissu. Chaque centimètre était peint avec une définition quasi photographique, les expressions d’un visage retranscrites avec une finesse incontestable. Ce réalisme était généralement doublé d’une signification parfois cachée, souvent religieuse ou morale. Véritables énigmes visuelles pour un spectateur attentif et réceptif à l’art, les messages n’attendaient qu’à être décryptés par le visiteur. Par exemple, le lys, fleur caractérisant la pureté, symbolisait la vierge Marie, un miroir, la vanité ou la fugacité de la vie, une bougie, la mort… Chacun était libre d’interpréter ces œuvres selon sa culture et sa sensibilité.

Mais ce sens du détail n’aurait pas été possible sans un phénomène qui fut ressenti comme une révolution dans l’art flamand : l’avènement de la peinture à l’huile. Il faut savoir que depuis l’Antiquité puis au Moyen Âge ou encore au début de la Renaissance, c’était la technique de la tempera qui était la plus utilisée. Son procédé consistait à mélanger les pigments avec une émulsion composée habituellement d’eau et de jaune d’œuf en guise de liant. Les teintes obtenues étaient vives et intenses, mais ne permettaient pas de créer autant de profondeur et de transparence que celles réalisées à la peinture à l’huile. Malgré une grande luminosité et un aspect mat des couleurs, le séchage rapide par évaporation rendait difficiles les retouches.

Dans son ouvrage Diversarum artium schedula, le moine Théophile décrivait déjà au 12 ᵉ siècle les techniques de la peinture à l’huile. Cependant, c’est le peintre flamand Jan Van Eyck qui par sa maîtrise de l’huile comme liant la mit véritablement en lumière et la popularisa. Nous pouvons donc affirmer qu’il ne fut pas son inventeur, mais plutôt son perfectionneur. Le séchage lent propre à la peinture à huile permit aux artistes de travailler les détails avec une précision impressionnante, en créant des glacis et des effets de luminosité et
de profondeur saisissants. Sous les pinceaux des peintres prenait forme une subtile combinaison de lumières indirectes, d’ombres et de nuances. Chaque touche supplémentaire donnait du volume aux autres éléments, renforçant une véritable illusion d’espace et de réalisme intense.

Les supports sélectionnés tinrent également un rôle important. Les surfaces lisses et stables des panneaux en bois étaient largement employées. Leur préparation était tout autant minutieuse pour garantir la longévité de leur création. Quant au format, il se déclinait du petit modèle au grand retable, les triptyques étant les plus utilisés pour valoriser les œuvres religieuses.

Parmi les incontournables, Jan Van Eyck est certainement le plus emblématique pour son sens du détail et son incroyable maîtrise de la technique de glacis. Ses plus illustres œuvres sont L’Agneau mystique (ou Adoration de l’Agneau mystique) (1432), Les époux Arnolfini (1434), L’homme au turban rouge (1433) ou encore La Vierge du chancelier Rolin (1435). Doté d’une faculté d’observation aiguë et de solides connaissances en optique et en géométrie, il révolutionna la peinture flamande du 15 ᵉ siècle

L’Agneau mystique de par son histoire et sa représentation mérite quelques explications. Cette œuvre fut commandée par Joos Vijd, bourgeois aisé de Gand. Initiée par Hubert Van Eyck qui mourut avant de l’avoir achevée, elle incarna la collaboration professionnelle entre les 2 frères. Hubert l’aîné a sans conteste joué un rôle significatif dans la formation artistique de Jan. Composé de plusieurs panneaux qui peuvent être ouverts ou fermés, le retable révèle deux scènes complexes et riches de symboles selon leur position.
Pendant 600 ans, ce chef-d’œuvre fut recouvert de couches de poussière, de vernis ou encore de peinture estimés à hauteur de 70 % ! Autant dire que l’intention originelle fut largement pervertie par ces modifications de tons, de couleurs et de style. Il fut aussi démantelé, caché, disséminé avant d’être enfin réuni après la Seconde Guerre mondiale. C’est en 2012 que son incroyable restauration scientifique fut initiée. Après 8 années d’un travail millimétré et l’emploi de techniques de pointe, le public put redécouvrir le génie de l’artiste qui s’était attelé à insuffler un réalisme hors norme dans ses portraits et des détails d’un raffinement extrême. Profondeurs, jeux de géométrie, reflets et lumière subliment l’œuvre qui raconte toute l’histoire du salut de l’âme, et est désormais exposée dans une salle sécurisée de la cathédrale Saint-Bavon de Gand.

Rogier Van der Weyden est également l’un des plus grands peintres flamands du 15 ᵉ siècle. Né à Tournai, il change son nom de le Pasture en Van der Weyden lorsqu’il s’installe à Bruxelles en 1435 et devient le peintre officiel de la ville. La cour de Bourgogne, l’Église et de riches particuliers furent ses principaux commanditaires. Réputé pour sa capacité à retranscrire les émotions, ses personnages sont expressifs et aux gestes dramatiques. Maîtrisant à la perfection la peinture à huile, il se concentre sur la minutie des détails, la représentation des tissus ou bijoux, la disposition et l’expression des protagonistes. Il les place volontairement dans un espace restreint et sur fond doré ou neutre, afin de les mettre en valeur et renforcer l’intensité émotionnelle qui s’en dégage. Les scènes qu’il peint sont pour la plupart religieuses, évoquant la vie du Christ et de la Vierge Marie. Citons La descente de croix (vers 1435) à ne pas confondre avec celle de Rubens, Le retable de Miraflores (vers 1440), Le Jugement dernier (daté vers 1445-1452) ou encore Portrait d’une dame (vers 1460). Son style, plus expressif que celui de Van Eyck, a exercé une influence considérable sur la peinture européenne, notamment sur la peinture espagnole.

Pierre Paul Rubens est également l’une des figures dominantes du 17 ᵉ siècle. Il a incarné l’apogée du baroque flamand. Né en Allemagne d’une famille anversoise, il réalise son premier voyage en Italie à l’âge de 23 ans où il vivra plusieurs années et étudiera les œuvres des maîtres de la Renaissance. C’est à cette période-là qu’il assimile les techniques et les thèmes de la peinture italienne avant de retourner en 1608 à Anvers pour devenir le peintre de cour d’Albert et d’Isabelle, archiducs et gouverneurs des Pays-Bas méridionaux. Spécialiste des scènes complexes, coloriste exceptionnel, son style est baroque, dynamique et riche en couleurs éclatantes. Il privilégie les formats grande taille, n’hésitant pas à représenter une multitude de figures en mouvement. Il est également reconnu pour la diversité de ses thématiques, peignant aussi bien du religieux que des nus féminins aux courbes voluptueuses ou des scènes de chasse. Son atelier extrêmement productif prospère et les nombreux assistants travaillant sous sa direction lui permettent de mener de front une carrière artistique et une activité diplomatique des plus importantes, notamment pour la cour d’Espagne. Ses clients sont des membres de l’Église, des maisons royales, de la noblesse ou de la bourgeoisie. Vers 1620, il s’impose comme le plus grand peintre d’Europe du Nord-Ouest. Ce maître du baroque a laissé en héritage 2500 compositions et quelque 10 000 œuvres d’art, tableaux, dessins, illustrations, tapisseries…

Partir à la rencontre de ces illustres peintres et de leurs œuvres pourrait tout à fait se concrétiser par une croisière fluviale accostant dans les villes les plus emblématiques. En voici quelques-unes qui méritent le détour.

Commencez votre périple par Gand, berceau des frères Van Eyck. Comme évoqué plus haut, la cathédrale Saint-Bavon abrite L’Agneau mystique. Plongez dans la contemplation de l’une des œuvres les plus influentes de l’histoire et apprenez-en plus sur ses péripéties dignes d’un roman policier. Complétez votre immersion par une visite au MSK (Museum voor Schone Kunsten), où se poursuit jusqu’en 2026 sa 3e phase de restauration et qui héberge également des œuvres de l’illustre Hugo Van der Goes. À la fois médiévale avec son château des Comtes et terriblement moderne, vous serez surpris par tant de richesses culturelles et patrimoniales.

À Bruges, ville-musée par excellence, ne ratez pas le musée Groeninge qui abrite un ensemble exceptionnel de peintures flamandes primitives, avec des œuvres de Jan Van Eyck, Hans Memling ou Gérard David, l’un des derniers représentants de l’école de Bruges. L’atmosphère romantique de celle qu’on surnomme la Venise du Nord pour ses canaux vous enivrera. Faites également étape au musée Hôpital Saint-Jean pour la célèbre collection Memling.

Anvers n’est pas que la capitale du diamant, c’est aussi celle du baroque flamand. Profitez de votre visite pour admirer les vitrines et bien d’autres bijoux comme la Maison de Rubens (Rubenshuis) où vous découvrirez l’atelier du maître, le Musée royal des Beaux-Arts (KMSKA), ou encore la cathédrale Notre-Dame qui exposent ses toiles monumentales, ainsi que celles de Van Dyck et Jordaens.

À Bruxelles, les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique vous plongent dans l’univers de Rogier Van der Weyden et Pieter Brueghel l’Ancien, témoins de la diversité et de la richesse de l’art flamand.

Tout ceci vous a donné envie ? Apportez la dernière touche à votre périple culturel en programmant un passage obligé au Louvre. Vous pourrez y admirer entre autres des œuvres emblématiques de Van Eyck, Rubens et Van Dyck. Vous serez alors incollable sur la peinture flamande et ses grands maîtres qui ont marqué un tournant décisif dans l’histoire de l’art européen…